With radical formal innovations that scandalized the European art world, cubism revolutionized modern art and opened the path toward pure abstraction. Documenting the first heady years of this profoundly influential movement, A Cubism Reader presents the most comprehensive collection of cubist primary sources ever compiled for English-language publication. This definitive anthology covers the historical genesis of cubism from 1906 to 1914, with documents that range from manifestos and poetry to exhibition prefaces and reviews to articles that address the cultural, political, and philosophical issues related to the movement. Most of the texts Mark Antliff and Patricia Leighten have selected are from French sources, but their inclusion of carefully culled German, English, Czech, Italian, and Spanish documents speaks to the international reach of cubist art and ideas. Equally wide-ranging are the writers represented—a group that includes Guillaume Apollinaire, Gertrude Stein, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Fernand Léger, Francis Picabia, André Salmon, Raymond Duchamp-Villon, Henri Le Fauconnier, and many others. These diverse selections—unabridged and freshly translated—represent a departure from the traditional view of cubism as shaped almost exclusively by Picasso and Braque. Augmented by Antliff and Leighten’s insightful commentary on each entry, as well as many of the articles’ original illustrations, A Cubism Reader ultimately broadens the established history of the movement by examining its monumental contributions from a variety of contemporary perspectives.
This book highlights sport as one of the key inspirations for an international range of modernist artists. Sport emerged as a corollary of the industrial revolution and developed into a prominent facet of modernity as it spread across Europe at the turn of the twentieth century. It was celebrated by modernists both for its spectacle and for the suggestive ways in which society could be remodelled on dynamic, active and rational lines. Artists included sport themes in a wide variety of media and frequently referenced it in their own writings. Sport was also political, most notably under fascist and Soviet regimes, but also in democratic countries, and the works produced by modernists engage with various ideologies. This book provides new readings of aspects of a number of avant-garde movements, including Italian futurism, cubism, German expressionism, Le Corbusier's architecture, Soviet constructivism, Italian rationalism and the Bauhaus.
The rise of digital publishing and the ebook has opened up an array of possibilities for the writer working with innovation in mind. Creative Writing and the Radical uses an examination of how experimental writers in the past have explored the possibilities of multimodal writing to theorise the nature of writing fiction in the future. It is clear that experimental writers rehearsed for technological advances long before they were invented. Through an in-depth study of writers and their motivations, challenges and solutions, the author explores the shifts creative writing teachers and students will need to make in order to adapt to a new era of fiction writing and reading.
The years before World War I were a time of social and political ferment in Europe, which profoundly affected the art world. A major center of this creative tumult was Paris, where many avant-garde artists sought to transform modern art through their engagement with radical politics. In this provocative study of art and anarchism in prewar France, Patricia Leighten argues that anarchist aesthetics and a related politics of form played crucial roles in the development of modern art, only to be suppressed by war fever and then forgotten. Leighten examines the circle of artists—Pablo Picasso, Juan Gris, František Kupka, Maurice de Vlaminck, Kees Van Dongen, and others—for whom anarchist politics drove the idea of avant-garde art, exploring how their aesthetic choices negotiated the myriad artistic languages operating in the decade before World War I. Whether they worked on large-scale salon paintings, political cartoons, or avant-garde abstractions, these artists, she shows, were preoccupied with social criticism. Each sought an appropriate subject, medium, style, and audience based on different conceptions of how art influences society—and their choices constantly shifted as they responded to the dilemmas posed by contradictory anarchist ideas. According to anarchist theorists, art should expose the follies and iniquities of the present to the masses, but it should also be the untrammeled expression of the emancipated individual and open a path to a new social order. Revealing how these ideas generated some of modernism’s most telling contradictions among the prewar Parisian avant-garde, The Liberation of Painting restores revolutionary activism to the broader history of modern art.
Vorticism addresses the seminal innovations in theatre, literature and poetry as well as Vorticist painting, sculpture, print making, and photography that encompassed the Vorticism art movement.
Details of Consequence examines a trait that is rarely questioned in fin-de-siècle French music: ornamental extravagance. In re-evaluating the status of ornament for French culture, this book investigates how musical and visual expressions of decorative detail shaped widespread discussions on identity, style, and aesthetics.
Looks at the history of the depiction of anti-authoritarian social movements in art.
An investigation of the central role that theories of the visual arts and creativity played in the development of fascism in France between 1909 and 1939.
Arnold Hauser war einer der ersten, der soziologische Fragestellungen in die Literaturgeschichtsbetrachtung integriert hat. Im vorliegenden Buch beschäftigt er sich grenzüberschreitend mit der Entwicklung von bildender Kunst, Literatur, Musik, Theater und Film. „Die erste wesentliche Soziologie der Kunst, die wir kennen. ... Hausers Buch ist ein Wegweiser durch das Labyrinth der Zeiten und Kulturen.“ Süddeutsche Zeitung
Gerald Holton warnt mit Hilfe eines der größten Wissenschaftler unseres Jahrhunderts - Albert Einstein - vor der heutigen "Romantischen Rebellion", die für alle Fehler unserer heutigen Gesellschaft die Wissenschaft verantwortlich machen will und ein neues Denken propagiert. Dadurch, daß er die Einsteinsche Gedankenwelt sorgfältig durchleuchtet, zeigt er, daß die Spitzenergebnisse der Wissenschaft auf sehr viel Intuition beruhen und daß die moderne Wissenschaft in der Tat ein kreativer Ausdruck der westlichen Zivilisation ist.
Zwar war Pissarro der Älteste unter den Pariser Impressionisten, doch liefen bei ihm die Impulse ihrer künstlerischen Neuausrichtung zusammen. Auf der Suche nach einer malerisch befreiten Bildform stieß er gemeinsam mit Cézanne, Guillaumin und Gachet auf die Möglichkeiten der Graphik. Das skizzenhafte Arbeiten mit Radierung und Lithographie erlaubte ihnen die Fixierung des Moments. Der Zustand der Druckplatten war nie definitiv, sondern ließ prozessual Motivveränderungen zu. Der einzelne Abzug wurde so zum kostbaren Dokument des Unwiederbringlichen. Das mit vielen illustrativen Details ausgestattete Katalogbuch zeigt die Bandbreite des graphischen Schaffens von Pissarro und öffnet den Blick für eine ganz besondere Variante des Impressionismus.0Exhibition: Picasso-Museum, Münster, Germany (7.9.-17.11.2013).
Les Demoiselles d'Avignon: fünf junge Damen, die die moderne Kunst für immer verändern sollten. Gesichter, die man gleichzeitig von vorn und im Profil erkennt, verwinkelte Körper, deren üppige Formen hinter asymmetrischen Linien verschwinden - mit diesem Gemälde revolutionierte Picasso die Geschichte der Malerei. 1907 war der Kubismus geboren. Kubistische Maler wie Juan Gris und Robert Delaunay, die, inspiriert von Braque und Picasso, natürliche Formen in Würfel und Zylinder verwandelten, lieferten eine neue, in völligem Gegensatz zum Impressionismus stehende Weltanschauung. Der Kubismus verbreitete sich schnell in Europa und entwickelte sich in verschiedenen Phasen, die der Kunstgeschichte den Reichtum des 20. Jahrhunderts schenkten: vom Futurismus Boccionis zur Abstraktion Kandinskys, vom Suprematismus Malewitschs zum Konstruktivismus Tatlins. Durch die Verbindung der Texte von Guillaume Apollinaire und der Arbeit von Dorothea Eimert bietet dieser Text eine neue Interpretationsmöglichkeit dieses ausschlaggebenden Moments in der Moderne und gibt dem Leser die Möglichkeit, die Hauptvertreter dieser Strömung kennenzulernen.
Am Vorabend des Ersten Weltkriegs gingen die Futuristen auf große Europa-Tournee, um ihre Bilder international bekannt zu machen. Dieses Buch zeichnet die Stationen ihrer Reise in Paris, London und Berlin vor dem Hintergrund der Künstlerbiographien nach. Es umfasst die Vorbereitung von der ersten Idee an, den erbitterten Kampf um die Realisation und die teils inspirierende, teils schockierende Wirkung auf Zeitgenossen aus den Bereichen Kunst und Literatur. Fundierte Bildanalysen ergänzen die Rezeptionsgeschichte und lassen die futuristischen Bilder - die sonst eher textlastig durch den Filter der Manifeste betrachtet werden - für sich sprechen.
"Seit dem Erscheinen dieses Buches sind zwei Jahre vergangen. Eines unserer Ziele - in meinen Augen das Hauptziel - ist fast unerreicht geblieben. Es war, durch Beispiele, durch praktische Zusammenstellungen, durch theoretische Beweise zu zeigen, dass die Formfrage in der Kunst eine sekundare ist, dass die Kunstfrage vorzuglich eine Inhaltsfrage ist. In der Praxis hat der, Blaue Reiter" recht behalten: das formell Entstandene ist gestorben. Kaum zwei Jahre hat es gelebt - angeblich gelebt. Das aus der Notwendigkeit Entstandene hat sich weiter entwickelt." Dank der Hastigkeit unserer Zeit hat das leichter Verstandliche Schulen" geformt. So ist die hier abgespiegelte Bewegung im allgemeinen in die Breite gegangen und gleichzeitig ist sie kompakter geworden. Die im Anfang zum Durchbruch notwendigen Explosionen nehmen also ab - zugunsten eines ruhigeren und an Kraft gewinnenden breiteren, kompakteren Stromes. Diese Ausbreitung der geistigen Bewegung, und andererseits ihre starke konzentrische Wirbelkraft, die immer neue Elemente gewaltig in sich hineinzieht, ist das Zeichen ihrer naturlichen Bestimmung und ihres sichtbaren Zieles." [...] Vorliegendes Werk "Der Blaue Reiter" von Wassily Kandinsky und Franz Marc ist ein umfangreiches Nachschlagewerk fur ihre Ausstellungs- und Publikationstatigkeit. Die Kunstler, deren Werke sich hierin finden, waren alle wichtige Wegbereiter der modernen Kunst des 20. Jahrhunderts. Dieses Buch ist ein unveranderter Nachdruck der langst vergriffenen Originalausgabe von 1914. Es ist mit uber 130 historischen Abbildungen und Zeichnungen versehen.

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